« Tellement j'ai faim »

 
du 5 juin au 20 juillet


Galerie Polad-Hardouin - Paris (3)

De l'ivresse en peinture.

par Frédéric-Charles Baitinger

Nos corps, à chaque instant, sont traversés de forces qui les poussent, les contorsionnent, les malmènent ou les transfigurent. Toutes ces forces ne sont pas des forces morbides, mais des forces qui, au contraire, obligent la vie à se dépasser, à s'affirmer envers et contre ces flux et reflux invisibles qui, comme la vague contre la rocher, viennent la heurter de plein fouet. Les toiles de Lydie Arickx dressent l'inventaire de ces forces, capturent l'effet intérieur quelles produisent pour mieux le sublimer : elles sont une assomption de la couleur, une élégie de la vie assumant ses pertes, une iconologie païenne de la chair meurtrie mais renaissante.

C'est indéniable, il y a, dans chacune de ces toiles, une force de vie, une foi impondérable dans la vie, même quand celle-ci semble soulevée d'horreur, car cette horreur, cette sensation atroce et insupportable qui traverse les chairs, Lydie Arickx ne la montre jamais comme un spectacle qui lui serait extérieur, mais comme un monde qu'elle habite et qu'elle transfigure de sa propre puissance – de sa propre ivresse.

« Tellement j'ai faim...» dit-elle, tellement j'ai foi en la vie... La puissance de sa peinture réside dans cette contradiction glorieuse où les corps s'affirment envers et contre les forces qui les nient, dans cette capacité à affronter toutes les souffrances de la vie sans jamais y succomber, mais en y apportant à chaque fois un surplus de force, un supplément d'âme. Contre le devenir supplicié des chairs, Lydie Arickx peint l'assomption de corps extasiés ouverts sur l'infini. 

Mais pour atteindre à un tel quantum de force, à une telle affirmation, Lydie Arickx a dû se battre contre elle-même, apprendre à dépasser ses peurs pour se regarder en face. Il y a quelques années encore, ses peintures représentaient des corps cherchant à s'isoler de la matière. Il s'agissait alors pour elle de peindre des lignes repliés, des corps encapsulés à l'intérieur de leur propre martyrs.

Mais aujourd'hui, à l'heure où sonne pour elle l'heure du grand midi, les corps qu'elle représente osent enfin se dissoudre dans la matière sans pour autant se perdre en elle. Ouvrant progressivement les lignes dures de leurs contours, ils s'imbibent de tous les accidents qui les déforment, aspirent à eux les moindres particules de matières encore inertes. Ce n'est désormais plus seulement le corps qui lutte pour sa survie, mais toute la nature souffrante qui sombre dans un délire d'empathie universelle.

Artiste
À la fois peintre et sculpteur, Lydie Arickx est née en 1954. Elle expose pour la première fois en 1982, après avoir suivi les cours de l’Ecole Supérieure des Arts Graphiques de Paris. Dès 1988, elle présente son travail en Belgique, en Suisse, en Allemagne, aux Pays -Bas puis en Espagne, aux Etats-Unis et au Japon. Particulièrement remarquée à l’occasion d’une exposition au Couvent des Cordeliers de Paris, Lydie Arickx participe aux grands événements internationaux comme la Foire de Bâle ou Art Paris. Elle figure dans les collections publiques dont celle du Musée National d’Art Moderne, Paris. Elle a aussi réalisé une série d’œuvres monumentales comme la sculpture La Genèse, fontaine de bronze de trois mètres sur deux pour le Château Lagnet en 2000. Elle est Chevalier de l’Ordre National des Arts et Lettres.

Le silence qui parle Les nouvelles chroniques de Frédéric-Charles Baitinger fredericcharlesb@hotmail.com

informations pratiques :

galerie polad-hardouin
86, rue Quincampoix - 75003 PARIS
Tél: + 33 (0) 1 42 71 05 29
email : contact@polad-hardouin.com

Du mardi au samedi de 11h à 19h et sur rendez-vous

du 24 mars au 29 août

Halle Saint-Pierre - Paris

 


Si le dessin est un art de l’instant, il n’en reste pas moins, pour celui qui le pratique, la marque sensible d’une expérience pure de la durée. Se distinguant en cela de l'art du poète dont l'oeuvre est bien souvent le bonnet qui le rend invisible, chaque trait d'un dessin révèle la personnalité de celui qui les trace. Entre le dessin et la poésie, il y a donc une étrange symétrie qui accorde à l’un ce qu’elle refuse à l’autre et inversement : si le poète disparaît dans ses vers à mesure que s'y glisse l'impression du temps, le dessinateur lui, ayant renoncé à tout artifice, en saisit le jaillissement même. C’est là, du moins, l'incomparable mérite des artistes que réunie l’exposition Éloge du dessin.

 

							Sabhan Adam				Jean-Luc Giraud
							Marcel Katuchevski				Cécile Carrière

I. Effusions.

En regardant les tableaux de Sabhan Adam, j'ai d'abord vu des hommes en train de naître ; puis déjà vieux essayer d’exister; ils s'accrochaient tous à la dernière branche de leur tête, mais le temps ne cessait de les raturer. O pauvres hommes pensais-je, ils ont beau prendre la pose, se tenir ferme à leur forme, ils n'en deviennent pas moins les prisonniers ombrageux d’un cadre qui ne contient du temps que les ébauches successives. 

Fuyant leur déroute, mes jambes me plantèrent à l'orée d'une bouche, d'un oeil, de deux oreilles et d'un nez (celui de Jean-Luc Giraud). Là, je pus enfin souffler ; contempler sans trembler l’énigme d’une tête. Elle était calme, lasse et portant comme en creux un parfum d'autrefois. Un auto-portrait de Rembrandt. Une gravure de Redon, une photo d’avant-guerre. Que sais-je ? En elle, les styles se perdaient dans l'éternité d’un regard. Toujours le même. Immuable. Envers et contre la forme. Il restait là. Inaltéré. Intact. Double inversé des ombres passagères que je venais de voir. Du moins, c’est ce que je crus. Mais en vérité, un saut le séparait d'elles. Et ce saut avait la profondeur de l'éternité.

Un  peu las, je ne pus faire qu'un quart de tour pour m'extirper de sa langueur. J'en reçu  une gifle; coup de gomme sur une feuille. Les dessins de Marcel Katuchevski me dévisageaient comme si jamais encore je n’avais vu ce qu’était l’impatience. Sans appui, ils tombaient. Mais d’une seconde à l’autre, leurs figures s’abouchaient à l’ombre ; exhibaient son souffle et sifflaient sa menace. Depuis combien de temps et pour combien de temps encore allaient-elles devoir souffrir ainsi ? Quel soleil inconnu, quelle eau lustrale attendaient-elles ? Peut-être l’heure de midi me dis-je. Là où l’ombre se noie dans la soleil ?


Méditant cette énigme, la danse légère de ballerines jouant sur des tâches suspendit mon jugement. Avais-je trouvé l’expression d’un temps chaotique enfin apaisé ; d’une figuration mêlant les ratures d’Adam, la sérénité de Giraud et l’impatience de Katuchevski? Pris d’un doute asthmatique les mots de Maurice Béjart me revinrent en mémoire : « danser c’est faire tout ce qu’on veut avec son corps… après vingt ans d’ascèse ». Légères, aériennes, et pourtant prisonnières de l’instant, les figures que je contemplais forçaient mon regard à parachever leurs mouvements. Elles jaillissaient de la matière, l’animaient d’un souffle et faisaient mentir l’instant. Et si les dessins de Cécile Carrière transgressaient les limites du dessin ? Je ne pu me résoudre à le dire. Mais une chose m'apparut clairement : sur la buée de l’instant, leurs frêles esquisses dessinaient l’image statique du mouvement. 

« Mon souffle, ma chaleur ont embué Déjà la vitre de l’éternité. Si du dessin s’y incruste les traits, L’instant d’après nul ne les reconnaît. Que de l’instant s’écoule la buée ! La chère esquisse n’en sera brouillée(1). »

Harmut Reiderer	Mahé Boissel Famille 2007

II. De la primitivité du dessin

Il serait tentant de parler de « primitivité » pour caractériser ce qui rassemble les artistes que présente l'exposition Éloge du dessin. Mais ce terme manque malheureusement de précision. Ou du moins, pour qu'il résonne exactement comme nous l'entendons, il se doit d'être un peu mieux défini. Ainsi nous révélera-t-il peut être l'affinité profonde qui relie le dessin, comme mode d'expression, aux artistes, le plus souvent « autodidactes » (Sabhan Adam, James Allen, Deborah Barret, François Burland, Cécile Carrière, Hiroyuki Doi, Patrick Gimel, Raphaël Léonardini, Joël Lorand, Philippe Michaëlef-Ducollet, Henriette Zéphir ) qui le pratiquent. 

Est dit primitif tout ce qui touche au commencement. En ce sens, l'enfant à quelque chose de primitif dans l'exacte mesure où son être n'a pas encore subit d'autres influences que celles qu'a placé en lui la nature. Inversement, dès qu'il s'éloigne de ce qu'il fut à ses débuts, il perd ce caractère pour devenir un être que l'on nommera plus volontiers « mûr », « mature » ou bien alors « réfléchi». Autrement dit, le caractère primitif d'une chose se rapporte d'abord à la manière dont le temps agit sur elle.

Est-ce à dire que les artistes de l'exposition Éloge du dessin sont restés des enfants ? Peut-être. Du moins ne peut-on s'empêcher d'être saisi par la sincérité de leurs oeuvres, par leur spontanéité, et surtout, par la frontalité avec laquelle elles se donnent. A rebours de l'art abstrait ou de l'art conceptuel qui se dérobe à la vue au moment même où il se montre, les oeuvres ici présentées se confondent avec leur matérialité, n'ayant rien d'autre à dire que ce qu'elles sont.

Mais l'idée de primitivité ne peut se réduire à celle d'enfance, ni moins encore à celle de spontanéité ou de sincérité. Car, à la concevoir sous cet angle, une part importante de sa définition nous échapperait et avec elle, ce qui, en profondeur, fait sa force et sa valeur. En effet, vouloir faire de la primitivité l'équivalant d'une immédiateté irréfléchie reviendrait à concevoir les artistes  comme des bêtes de cirque dont les mimiques sont appréciés pour autant qu'elles ne sont pas simulées. Mais, encore une fois, ce serait là se méprendre sur ce qui fait la profondeur et le vérité des oeuvres ici présentées.

Les raisons de ce malentendu sont multiples, mais reposent pour l'essentiel sur un trait commun à toute notre époque : qui n'est pas capable de mettre en discours sa pensée manque d'esprit. Mais c'est là oublier que certaines questions ne peuvent recevoir de réponse et fuient le langage comme une peste :  « Tel est » écrit Kierkegaard, « le destin qui pèse sur toute pensée plus primitive : elle s'achoppe à certaines questions fondamentales qui sont d'ordinaire considérées comme à ce point acquises que personne n'aurait l'idée de s'y attarder (2) ».  

Reprenant ici le célèbre adage de l'Evangile qui affirme que « tout arbre se reconnaît à ses fruits », comment pourrions-nous ne pas reconnaître dans ces dessins les fruits d'esprits qui continuellement se cherchent. Tout dessin est une question que s'adresse celui qui dessine à lui-même.

Frédéric-Charles Baitinger

 

Le silence qui parle Les nouvelles chroniques de Frédéric-Charles Baitinger fredericcharlesb@hotmail.com

(1) O. Mandelstam, La pierre, 1909(2) . S. Kierkegaard, La dialectique de la communication.


voir aussi : la présentation de l'exposition (ICI)